JAZZCHOR FREIBURG mit TORUN ERIKSEN
bei „Jazz in Weil“
am Samstag, 24. Oktober 2009, 20 Uhr, im Haus der Volksbildung
Das Kulturamt Weil am Rhein als Veranstalter und die Organisatoren freuen sich, Ihnen zum 80. Anlass der Konzertreihe „Jazz in Weil“ ein besonderes musikalisches Ereignis anbieten zu können.
Ab jetzt können Sie unter
www.jazz-in-weil.de Ihre Karten zu 25,- Euro reservieren.
Der offizielle Vorverkauf startet Anfang September.
Deutschland-Tour mit Torun Eriksen
unter der Leitung von Bertrand Gröger.
Programm: „Jazzchor Freiburg – Vocal
Swing in großer Besetzung“ mit Torun Eriksen
Weitere feststehende Daten der Tour
sind:
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24.10.09 Weil am Rhein, Haus der Volksbildung
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25.10.09 Eschborn, Stadthalle
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26.10.09 Dresden, Jazztage Dresden, Festivalbühne, www.jazztage-dresden.de/
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27.10.09 Wolfsburg, phaeno Wolfsburg
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28.10.09 Celle, Stadtkirche
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29.10.09 Aachen, St. Peter
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31.10.09 Idar-Oberstein, Mehrzweckhalle
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01.11.09 Wuppertal, Festival der Stimmen, www.festivalderstimmen.de/
Der Jazzchor Freiburg und
Bertrand Gröger
Der Jazzchor Freiburg wurde 1990 von Bertrand Gröger gegründet. Tourneen und
Konzerte in Japan, Südkorea, Russland, Deutschland, Frankreich, Tschechien,
Polen, Italien, Österreich, der Schweiz und Dänemark, erfolgreiche Teilnahme
an Wettbewerben (u.a. 1. Preis beim Deutschen Chorwettbewerb 1998 und 1.
Preis bei der Chorolympiade in Korea 2002), CD-Produktionen („Hammenoma",
„Live in Japan") sowie Rundfunk- und Fernsehsendungen machten den Chor
national und international bekannt. Der Chor gastierte auf Festivals (z.B.
International Jazz Vocal Festival Russia, Montreux Jazz Festival, Rheingau-
Musik-Festival), in Konzertsälen (u.a. Sunflower Hall in Yokohama; Cappella
in St. Petersburg; Palais de la Musique in Strasbourg), in Kirchen
(Klosterkirche in Zlatá Koruna; Christianskirken in Århus; Dom in
Magdeburg), wie auch in Jazzclubs (Sweet Basil Club in Tokyo; Jazz Art Club
in Moskau; Stadtgarten in Köln). Das Programm des Jazzchors umfasst Vocal
Jazz von Swing bis Fusion mit dem Versuch des Brückenschlags zwischen E- und
U-Musik, Anspruch und Unterhaltung. Die größtenteils von Gröger arrangierten
Titel von z.B. Miles Davis, John Coltrane oder Nat King Cole bekommen neue
Farben durch Scat-Chorsätze, Kollektiv-Rap und Shout-Chorusse. Durch
gelegentliche Ausflüge in die Welt von „Manhattan Transfer" oder den „New
York Voices" bringt der Chor zudem Bekanntes in vervielfachter
Quartettbesetzung zu Gehör. Neben einigen A-cappella-Stücken wird der Chor
in den Konzerten von seiner Band mit Klavier, Kontrabass und Schlagzeug
begleitet. Die Besetzung wird oftmals auch durch Gastsolisten mit Saxophon,
Stepptanz oder Gesangssoli erweitert. Es wurde bislang mit Künstlern wie den
Swingle Singers, Bernd Schlott, Cecile Verny, Norbert Gottschalk oder Tap
for Two zusammengearbeitet. Außerhalb des Vocal-Jazz-Programms kamen auch
Projekte mit Bobby McFerrin ("Circlesongs"), den Bamberger Symphonikern
("der und die (das)" von Bertrand Gröger), dem Philharmonischen Orchester
Freiburg ("Daphnis & Chloë" von Maurice Ravel), der Basel Sinfonietta ("Porgy
& Bess" von George Gershwin und Leonard Bernsteins „Mass” unter der Leitung
von Karen Kamensek) und der Hannover Big Band ("Concert of Sacred Music" von
Duke Ellington) zur Aufführung.
Bild: Bertrand Gröger und der
Freiburger Jazzchor
Torun Eriksen
Seit dem Jahr 2007 arbeitet Torun Eriksen mit dem Jazzchor Freiburg
zusammen. Der Beginn war eine gemeinsame Tournee durch Japan und Südkorea im
Herbst 2007. Darauf folgten zwei Konzertreisen durch Deutschland im Jahr
2008. Zu hören sind sowohl Stücke der Songwriterin in Arrangements, die
speziell für den Jazzchor Freiburg geschrieben wurden, als auch Stücke des
Chors, die von Torun Eriksen interpretiert werden. Die Norwegerin Torun
Eriksen ist eine Geschichtenerzählerin, wie es sie nur im Jazz gibt. Jeder
ihrer tief emotionalen Songs breitet eine eigene Welt aus. Mit samtschwarzer
Stimme singt sie von den großen Gefühlen, der Melancholie, aber auch vom
reinen Vergnügen, das Leben heißt. Nach Silje Nergaard und Rebekka Bakken
präsentierte Universal Music 2004 mit der 27-jährigen Torun Eriksen eine
weitere junge norwegische Sängerin und Songschreiberin, die das Zeug dazu
hat, auch international für Furore zu sorgen. Die Gemeinsamkeiten dieser
drei Künstlerinnen erschöpfen sich damit allerdings auch schon. Denn im
Gegensatz zu ihren Landsfrauen profiliert sich Torun Eriksen mit einer
überraschend "schwarzen" Stimme, souliger Phrasierung und einem dazu
passenden Repertoire, das sich überwiegend aus jazzigen Soul- und
Rhythm'n'Blues-Originals zusammensetzt, die nicht selten vom Flair der 70er
Jahre umweht sind. In der heimischen Musikpresse wurden Torun Eriksen und
ihr Debütalbum "Glittercard" mit Superlativen überhäuft. Die als
"außerordentliches Gesangstalent" oder gar "Stimme des Jahres" gefeierte
Mittzwanzigerin fesselte die norwegischen Kritiker/innen und Hörer/innen auf
ihrem ersten Album nicht nur als formvollendete Interpretin, sondern auch
mit elf komplexen und dennoch eingängig-delikaten Songs, die allesamt aus
ihrer eigenen Feder stammen. Seit Jazzland-Chef Bugge Wesseltoft zum ersten
Mal Eriksens samtig-dunkle Stimme gehört hat, ist er ihr verfallen und
preist sie in den Medien als "eines der größten Gesangstalente, die er in
den letzten Jahren in Norwegen" gehört habe. Deshalb bot der rührige
Keyboarder sich natürlich auch gleich an, Torun Eriksens Debütalbum zu
produzieren und auf seinem Label herauszubringen. Den Grundstein für ihre
musikalische Karriere legte Torun Eriksen bereits als Sechsjährige, als sie
einem Gospelchor beitrat. Bis zu ihrem 19. Lebensjahr tummelte sie sich als
Chormitglied und Solistin im Gospelumfeld und tauchte dabei auch immer
wieder tief in die die verwandten musikalischen Welten des Soul, Jazz und
Rhythm'n'Blues ein. Irgendwann begann sie schließlich erste eigene
Kompositionen zu schreiben, studierte nebenher aber auch eifrig die im "Real
Book" notierten Jazzstandards. Während ihres Musikstudiums an der
Skien-Hochschule in Norwegen konnte sie ihr Songwriting-Talent dann so
richtig zur Perfektion weiterentwickeln. 1997 zog sie nach Oslo um und
besuchte das Norwegian Institute for Stage and Studio (NISS), an dem
Musikern und Technikern das Rüstzeug vermittelt wird, das sie für die Arbeit
auf der Bühne und im Studio benötigen. Weitere Erfahrungen sammelte Torun
Eriksen danach u.a. bei Aufnahmen mit Palace Of Pleasure (Album "Popoganda",
1999), als Gastsängerin der Mulens Portland Combo ("Mulens Femte", 2001) und
bei Knut Halmrast ("Little Pillow", 2003). 2002 stieß sie als Sängerin zu
der norwegischen Soul-Jazz-Band Chipahua, in der ganz am Anfang ihrer
Karriere einst Sidsel Endresen gesungen hatte. Mit Chipahua trat Eriksen u.a.
bei den beiden international renommiertesten norwegischen Jazzfestivals in
Molde und Bergen auf. Danach widmete sich die junge Sängerin und
Songschreiberin endlich ihrer Solokarriere und nahm mit Bugge Wesseltoft die
Aufnahmen für ihr glänzendes Debütalbum "Glittercard" in Angriff. "Es war
fantastisch, Bugge Wesseltoft als Produzenten zur Seite zu haben", schwärmte
Torun Eriksen hinterher. "Prayers & Observations", das zweite Album der
norwegischen Songschreiberin wurde 2006 wieder von Bugge Wesseltoft
produziert. Obwohl Torun Eriksen auf dem neuen Album mit einer ganzen Reihe
von neuen Stilelementen experimentiert, zeigt sie zugleich doch, daß sie
schon eine klare musikalische Linie und eine unverwechselbar eigene Stimme
gefunden hat. "Jeder Song erzählt eine eigene Geschichte", erzählt Torun
Eriksen. "Mein musikalisches Ziel ist es, eine ausdrucksstarke
Songschreiberin und interessante Interpretin zu sein. Bei diesem Album ging
es mir darum, großartige Songs zu schaffen, die man gerne hört." Und das ist
ihr wirklich prächtig gelungen.
Bild: Torun Eriksen und der
Freiburger Jazzchor
Laudatio von Professor
Manfred Schreier zur Verleihung des Förderpreises 2009
der internationalen Bodenseekonferenz an den Jazzchor Freiburg (Kurzversion)
„Die ungeteilte Bewunderung, die dem Jazzchor Freiburg entgegengebracht
wird, stützt sich auf seine stimmliche Homogenität und hohe Musikalität,
eine selbstverständliche Bühnenausstrahlung und eine musikalische Leitung,
die sich völlig integriert. Im Gegenüber von Leader und Ensemble entsteht
mit sympathischer Souveränität ein ganz eigener „Sound“, bestechend in
seiner blitzschnellen Verwandlungsfähigkeit von der vokalen Geste zur
instrumentalen Geschlossenheit. Vielleicht gehört es zur besonderen
Innovation des Ensembles, den instrumentalen Big-Band-Sound auf den
A-cappella-Gesang zu übertragen, die schroffen Übergänge, die fließenden
Verformungen von individuell profilierten Soli, auch Gruppensoli, zu
volltönenden Tuttipassagen zu adaptieren. Das stimmliche Können des
Ensembles bewältigt spielerisch vokale Grenzsituationen, wie sie in nicht
europäischen Vokalpraktiken auftauchen, zugleich sind auch die gepflegten
Tugenden des klassischen A-cappella-Gesangs abrufbar. Geräuschtexturen,
vorgetragen als Intro zum Programm, aus der Nähe avantardistisch
experimenteller Schreibweise, stellen durchaus Beziehungen zur klassischen
Neuen Musik her. Der mitreissende Swing teilt sich dem Publikum unmittelbar
mit als intelligente Botschaft kammermusikalischer Erfahrung und
Reaktionsfähigkeit.
Der Chicagoer Pianist, Komponist und
Mundharmonikaspieler Howard Levy gilt als Musiker ohne stilistische
Grenzen. Seine musikalischen Abenteuer schließen Reisen in alle
musikalischen Genres ein, er verkörpert World Music schlechthin: Latin,
Klassik, Folk, Country. Er ist auf Hunderten von CDs zu finden, hat einen
Grammy und den Joseph Jefferson Preis für die beste Originalmusik gewonnen
und zu zahlreichen Filmen wie zu „Striptease“ mit Demi Moore oder „A time to
kill“ mit Robert Duval den Soundtrack geschrieben. Unerreicht ist vor allem
sein Spiel auf der diatonischen Mundharmonika, deren Spielweise er mit
seiner genialen Technik geradezu revolutioniert und ihr völlig neue
musikalische Dimensionen eröffnet hat. Hierzulande wurde Levy vor
allem durch seine Zusammenarbeit mit Musikern wie Rabih Abou-Khalil (1996
mit dessen Gruppe zu Gast bei „Jazz in Weil“), Michel Godard, Jean-Louis
Matinier, Glenn Velez oder Michael Riessler bekannt. 
heißesten jungen Pianisten“ voraus. Molinaro hat Publikum wie
Kritiker durch seine fesselnden Auftritte und seine stupende Technik
überzeugt. Der klassisch ausgebildete Pianist gewann 1997 den
„Internationalen Naumburg Wettbewerb für Klavier“ und spielte mit dem
bekannten Kammerorchester der Londoner „Academy of St. Martin in the Fields“
Bachs Goldberg-Variationen und dessen f-moll- und A-Dur-Klavierkonzerte ein. Doch Molinaro
ist nicht nur in der Klassik zuhause, sondern auch ein hochbegabter
Jazzpianist und -komponist, was seinem Spiel eine musikalische Weite gibt,
wie sie nur wenigen Pianisten seiner Generation zu eigen ist. Und so mischt
er des Öfteren eigene Kadenzen in seine Mozart- und
Beethoven-Interpretationen, nutzt Gershwins „Rhapsody in Blue“ zu
improvisatorischen Ausflügen. Daneben gibt Molinaro auch häufig Solokonzerte
als Jazzpianist und hat zudem ein eigenes Trio. 
Tournee als „Musical Ambassadors“ durch sechs afrikanische Länder. 
Der
1951 in Berlin geborene Gitarrist Häns´che Weiss erspielte sich in jungen
Jahren den 1. Preis bei einer vom damaligen Sender Rias Berlin
veranstalteten Talent-Schau und wurde bereits 1969 Mitglied des legendären
Schnuckenack-Reinhardt-Quintetts. Wesentliche Impulse verdankte Häns´che vor
allen Dingen dem Zusammentreffen mit „lebenden Legenden“ der Zigeunermusik
wie Joe Venuti, Stephane Grappelli, Nipso Brantner und Daweli Reinhardt.
Seine grösste Zuneigung aber galt aber dem „Übervater“ Django Reinhardt,
dessen Musik sein Spiel ebenso wie die Weiterentwicklung der Jazzgitarre
durch Joe Pass und Wes Montgomery beeinflusste. Mit 21 Jahren gründete er
das „Häns´che Weiss Quintett“, mit dem er 1978 für seine Langspielplatte
„Fünf Jahre Musik Deutscher Zigeuner“ den „Deutschen Schallplattenpreis“
erhielt. 1981 löste Weiss die ihm zu starr gewordene Quintettformation
zugunsten eines flexibleren Trio´s mit Martin Weiss (Violine) und Vali Mayer
(Bass) auf, das einige Jahre später in das bis heute bestehende musikalisch
anspruchsvolle und erfolgreiche Duo mündete, das der exzellente langjährige
Partner am Bass, Vali Mayer, mit seinen humorvollen „scat“-Einlagen (bei dem
einzelne Silben ohne Wortinhalt „gesungen“ werden) kräftig würzt..jpg)
Schon
lange bevor das Wort "Weltmusik" erfunden war, verband der 1923 in
Boston/USA geborene Charlie Mariano die Klänge der verschiedensten
Musikstile. Er integrierte als einer der ersten Jazzmusiker ethnische
Elemente im Jazz und beeinflusste seit den 70er Jahren die Entwicklung
der europäischen Jazzszene.
Minimale
Besetzung, maximale Wunschkombination, optimale Wahl: Der 42jährige, in
Offenburg geborene Bassist Dieter Ilg tritt mit Vorliebe zusammen mit
Charlie Mariano auf. Der als Mitglied der Band von Randy
Brecker international bekannt gewordene Dieter Ilg zeigt sich auf seinem
Instrument als begnadeter, aus dem Zentrum der modernen Bass-Sprache
heraus artikulierender „Storyteller“ mit Sinn für dramatische Entwicklung
und und zugleich als immens swingender, fantasiebegabter Begleiter, der
bekennt: Walking Bass, das war für mich immer das A und O, Walking Bass
und der Kontrabass, das sind Dinge, die zusammengehören wie Wasser und
Tee“. Dieter Ilg hat in letzter Zeit vor allem mit seinen Trioprojekten,
der lustvollen Vertonung deutscher und europäischer Volksweisen, für
Aufsehen gesorgt. „Jazz in Weil“ kann Charlie Mariano bereits zum 4.
Mal, Dieter Ilg zum 2. Mal begrüssen.
